Meine Lieblingsfilme 2011

Berücksichtigt habe ich nur Filme, die 2011 ihren Deutschlandstart hatten. Die Liste ist natürlich keineswegs vollständig, dieses Jahr war ich noch mehr als sonst eher ein Serien-Mensch. Aber folgend ein paar Filme, die auf irgend eine Weise besonders bei mir hängen geblieben sind in den letzten 12 Monaten... 

Winter's Bone

Winter's Bone war für mich gleichzeitig der beste und auch der überraschendste Film, den ich dieses Jahr gesehen habe. Er spielt in den Ozark Mountains, einer malerisch schönen Gegend der USA, die in Winter's Bone jedoch von Armut und Drogen zerfressen ist. Ree ist erst 17 muss aber ihre kranke Mutter pflegen, die beiden kleinen Geschwister erziehen und alles tun, damit ihre Familie überleben kann. Als ein Polizist zum Haus der Familie kommt und Ree mitteilt, dass ihr Drogen dealender Vater auf der Flucht ist und das Haus der Familie als Garantie für seine Kaution angegeben hat, macht Ree sich auf die Suche nach ihm. Die eigentlich Story ist aber zweitrangig, in Winter's Bone ist viel mehr eine Charakterstudie dieser Gemeinde am absoluten Rande der amerikanischen Gesellschaft. 

Die größte Überraschung des Films ist Newcomerin Jennifer Lawrence, die mit nicht mal 18 Jahren eine absolut organische und glaubwürdige Performance abliefert. Ihre Ree ist ein Mädchen, das viel zu früh erwachsen werden musste und jett in einer unfairen und unerbittlichen Umgebung eine ganze Familie durchbringen muss. Mit jugendlichem Starrsinn und sehr viel Mut kämpft sie sich durch eine zutiefst patriarchalische Gemeinschaft auf der Suche nach ihrem nichtsnutzigen Vater. Alle Menschen, auf die sie trifft, sind direkt oder indirekt in die Drogenproduktion und den Drogenhandel verwickelt und begegnen ihr mit Misstrauen oder offener Feindseligkeit. Es ist hart ein so sympathischen Mädchen, in einer ohnehin schon brutalen Welt, in einer brutalen Situation nach der Nächsten zu sehen. Aber es ist eine Wohltat Lawrence diese so verletzliche Figur mit einer solchen Stärke spielen zu sehen. John Hawkes präsentiert auch in diesem Film mal wieder sein enormes Talent und seine chamäleongleichen Schauspielfähigkeiten als Ree's Onkel Teardrop. Er verweigert seiner Nichte zunächst jegliche Hilfe und gibt ihr äußerst aggressiv zu verstehen, dass sie die Suche nach ihrem Vater abbrechen soll. Als sie sich aber trotzdem auf die Suche macht und immer weiter in Gefahr begibt, siegt seine familiäre Loyalität über seine Feindseligkeit. Ree's Stärke und der Zusammenhalt ihrer Familie sind die einzigen Lichtblicke in der dunklen und weitgehend hoffnungslosen Welt die von Regisseurin Debra Granik eindrucksvoll festgehalten wird. Untermalt wird der Film von altmodischem amerikanischen Folk, der melancholisch und ungeschönt von Anfang den Ton des Films vorgibt. Leider verlor Winter's Bone bei den meisten Preisverleihungen gegen auffälligere Filme von und mit mehr etablierten Hollywood-Akteuren, aber es bleibt die Hoffnung, dass Debra Granik und Jennifer Lawrence (auch außerhalb von Blockbustern) bald noch mehr gute Filme machen werden.

The Fighter

The Fighter ist mehr als solider Film, der, dank guter Schauspielleistungen und der Vorliebe von Preisverleihungskomitees für Sportlerdramen, überraschend große Aufmerksamkeit und Einspielergebnisse erzielen konnte.

Micky Ward (Mark Wahlberg) ist ein Amateurboxer, der das Zeug zum Profi hätte, aber durch eigene Zweifel und der ständigen Einmischerei seiner disfunktionalen Familie lange davon abgehalten wurde. Sein Bruder und Trainer Dicky (Christian Bale) ist ein irritiernder, drogensüchtiger und unzuverlässiger Ex-Boxer, seine Mutter (Melissa Leo), auch gleichzeitig seine Managerin, ist dominant und unprofessionell. Mickys unzählige Schwestern geben als gackernde und meckernde Zaungäste dazu noch ihren Senf aus dem Hintergrund ab. Als Micky sich in die selbstbewusste Kellnerin Charlene (Amy Adams) verliebt und mit ihrer Hilfe langsam aus der ungesunden Beziehung mit seiner Familie löst, kommt es zum großen Konflikt. Neben diesem Portrait einer extrem kaputten, aber doch irgendwie liebenswerten Familie, ist The Fighter eine typisch amerikanische Geschichte des kleinen Mannes, der es durch harte Arbeit an die Spitze schafft und nebenbei eben ein dramatischer, oft leicht kitschiger Boxfilm, der durch ein gutes Drehbuch und durchweg hervorragende Schauspieler zu einem sehr guten Film wird. Mark Wahlberg muss die einzig unauffällige Rolle spielen, die aber der notwendige Mittelpunkt und Gegenpol für all die die auffälligen und im direktem Vergleich teilweise fast aufdringlich wirkenden Nebenrollen bleibt. Er schultert diese Aufgabe adäquat (wie gut er es allerdings verkraftet hat, als Hauptrolle eines Filmes als Einzigster kaum Kritiker-Aufmerksamkeit bekommen zu haben, ist fragwürdig). Um ihn herum können Amy Adams, Melissa Leo und vor allem Christian Bale (es ist wirklich erstaunlich mit welcher scheinbaren Einfachheit Bales Körper von Film zu Film zwischen Bodybuilder- und Cracksüchtigen-Physik wechselt) deswegen neurotische und grellere Figuren spielen (und nebenbei die Preise und Lobeshymnen einstreichen). Am Ende wird so aus einem typischen Drama ein sehenswerter und immer spannender Film, der zwar teilweise dem typischen Hollywood-Storytelling folgt, aber sich immer einen sympathische Realismus bewahrt.

Alles was wir geben mussten 

Ein wunderschöner, unheimlich trauriger Film in dem zwei der momentan besten Jungschauspieler und kommende Superstars (Carey Mulligan und Andrew Garfield, wenn die Welt gerecht ist) und ein ehemaliger Fast-Superstar/Starlet auf dem langsamen Weg zurück zurück zur anerkannten Schauspielerei (Keira Knightley) ganz tolle Leistungen abliefern. Alles andere zum Film habe ich bereits hier geschrieben.

Black Swan

Nach dem nüchternen Realismus von The Wrestler kehrt Darren Aranofsky mit Black Swan wieder zu dem rauschartigen, visuellen Feuerwerk seiner vorherigen Filme zurück. Auf den ersten Blick ist der Film ein gewöhnlicher Psychothriller mit erotischen Elementen, der in weniger versierten Händen auch als Spätabendfilm auf RTL II hätten enden können. Es geht um eine Ballerina, die mit der Hauptrolle in einer modernen Produktion vom Schwanensee, endlich ihren Durchbruch erreichen könnte. Die zutiefst unerfahrene und unschuldige junge Frau, die ihr ganzes Leben zuvor ausschließlich für das Ballett lebte, wird nun von ihrem Regisseur angetrieben ihre wilde und dunkle Seite für eine bessere Darstellung der Rolle zu entdecken. Der unglaubliche Druck, denn sie dabei von ihm, ihrer dominanten Mutter und ihren Kolleginnen erfährt, sowie ihr Drang nach Perfektion, ziehen sie langsam in einen Strudel aus Wahnsinn in dem sie Realität und Fiebertraum nicht mehr unterscheiden kann.

Der Film erfüllt viele Klischees eines Psychothrillers: Alle Figuren wirken oft wie überdrehte Karikaturen, es gibt reichlich Schock- und Ekelmomente und jede Menge Sex. Doch alle Beteiligten hatten offenbar Spaß sich in ihren Rollen auszutoben und Aranofsky hebt durch seine meisterlichen Fähigkeiten den Film zu einem audiovisuellen Spektakel hinauf. Besonders hervorzuheben ist da natürlich Natalie Portman, die für ihre Rolle einen Oscar erhielt. Natürlich kann man sich darüber streiten, ob das nicht eher ein Oscar für ihr bisheriges Lebenswerk war, aber Portman passt perfekt als die ängstliche, naive Ballerina, die langsam dem Wahnsinn verfällt. Auch ihrem Körper hat sie dabei mit vielen Tanzstunden und einer Abmagerungskur einiges abverlangt. Daneben glänzen Barbara Hershey als ihre Furcht erregende Mutter und Winona Ryder in einer kleinen Rolle als Portmans verbitterte Vorgängerin. Dazu kommen Vincent Cassell, der als Portmans Regisseur irgendwo zwischen lachaft und überzeugend umher wandelt und Mila Kunis, die erstmals beweist, dass sie nicht nur gut aussieht und sympathisch ist. Die Musik wurde von Aranofsky-Dauergast Clint Mansell um die Originalmusik des Schwanensee herum komponiert und verbindet das klassische Meisterwerk gekonnt mit elektronischer Spannungsmusik. Die fiebrigen, flirrenden Bilder und die großartigen Tanzchoreographien tun ihr übriges um aus einem gewöhnlichen Film ein großes Stück Filmkunst zwischen Gemälde und Drogentrip zu machen.

Blue Valentine

In Blue Valentine sieht der Zuschauer abwechselnd die aufregende und romantische Zeit als sich ein ungleiches Paar kennen lernt, verliebt und zusammen kommt und einige Jahre später als ein gemeinsames Kind, der ernüchternde Alltag einer Beziehung und die Unterschiede der beiden die anfängliche Euphorie ersetzt haben. Michelle Williams und Ryan Gosling beweisen wieder einmal, dass sie mit die besten Schauspieler ihrer Generation sind. Sie sind ebenso glaubwürdig als frisch verliebtes Paar voller Hoffnung und Energie wie als desillusionierte, müde und oft verzweifelte Menschen gefangen in einer unglücklichen Ehe. Der Film kontrastiert dabei Szenen aus der Anfangsphase dieser Beziehung mit welchen aus ihrem Ende und stürzt den Zuschauer in ein Stimmungschaos. Der Film ist so realistisch und glaubwürdig, dass man zwar sofort an diese Liebe glaubt, aber ebenso in der nächsten Szene schmerzhaft versteht, warum sie nicht mehr funktionieren kann. Der Realismus ist vor allem auch wegen der großartigen Schauspieler manchmal fast schon schmerzhaft.

127 Hours

Auf den ersten Blick hatte 127 Hours für mich drei Probleme oder eher abschreckende Aspekte. 1. Er basiert auf den realen Erlebnissen von Aron Ralston, einem Extremsportler, der durch eigenen Leichtsinn und Übermut in einem Felsspalt eingeklemmt wird. Eine solche Figur scheint nicht wirklich sympathisch oder bemitleidenswert. 2. Ein Film, der fast ausschließlich in dem engen Raum des Felsspalts spielt und zu 90% nur einen Schauspieler zeigt klingt langweilig und ermüdend. 3. James Franco in einer dramatischen Hauptrolle, die den ganzen Film tragen muss in einer Zeit, wo Franco a) hauptsächlich durch witzige Rollen bekannt geworden war und b) Gefahr lief sich durch seine ständige Präsenz überall schnell ab zu nutzen (siehe Your Highness).

Doch trotz allem funktioniert der Film und zieht den Zuschauer schnell und unweigerlich in einen fiebrigen und kurzweiligen Alptraum von einem Film. Das liegt zuerst einmal an Danny Boyles hervorragender Regie (bis jetzt hat der Mann wirklich ausschließlich gute bis sehr gute Filme gemacht, ohne Ausnahme!) und der perfekten Kameraarbeit von Enrique Chediak und Anthony Dod Mantle, die gemeinsam die Enge und Bedrängtheit des Felsspalts und die zunehmende Verzweiflung und Bedrängnis von Ralston eindrucksvoll einfangen. Die größte Überraschung ist aber James Franco, der mit einer realistischen Tour de Force-Performance den langsamen Abstieg in Panik und Wahnsinn eines hoffnungslos gefangenen Mannes eindrucksvoll darstellt und es scheinbar mühelos schafft aus einem auf dem Papier so unsympathisch wirkenden Menschen einen Helden zu machen, mit dem man als Zuschauer einfach mitfiebern muss. Das Ende des Films ist zuerst schockierend, auch wenn jeder vorher bereits weiß, was passieren wird und trotzdem ist 127 Hours ein Film der zeigt, zu was der menschliche Wille alles fähig ist.

Restless

Enoch ist ein vom Tod besessener junger Mann, der den frühen Unfalltod seiner Eltern verarbeitet indem er seine freie Zeit mit dem Geist eines japanischen Kamikazefliegers verbringt und auf den Beerdigungen fremder Menschen. Auf einer dieser Beerdigungen lernt er Anabell kennen, die todkrank ist, aber, absolut lebensfroh, jede Sekunde, die ihr noch bleibt in vollen Zügen genießt. Zwischen den Beiden entwickelt sich eine zärtliche Beziehung, die Anabell und Enoch hilft mit dem Tod umzugehen, aber gleichzeitig auch neuen Lebensmut gibt.

Der Film ist nicht frei von Klischees und läuft manchmal fast Gefahr eine Nicholas Sparks-Verfilmung für Alternative, Indie-Fans und Hipster zu werden. Was denn Film aber rettet, sind die unglaublich natürlichen und glaubwürdigen Hauptdarsteller. Mia Wasikowska schafft es, wie in allen ihren Filmen bisher, von der ersten Sekunde an zu strahlen und mich vollkommen einzunehmen. Zusammen mit Henry Hopper, der in diesem Film sein erstaunliches Debüt gibt, spielt sie diese zärtliche, unbeholfene erste Liebe wunderbar realistisch und trotzdem äußerst romantisch. Gemeinsam schaffen es die beiden aus diesem oft dramatischen und schweren Stoff trotz allem einen Film zu zaubern, der immer wieder ein Lächeln beim Zuschauer erzwingt.

Let me In

Let me in ist ein Remake des schwedischen Films Let the right one in und nebenbei eine der schönsten und seltsamsten Liebesgeschichten des Jahres. Owen Ist ein Trennungskind, Außenseiter und häufiges Mobbingopfer. Durch Zufall lernt er das Nachbarsmädchen Abby kennen und es beginnt eine vorsichtige und zärtliche Freundschaft zwischen den Beiden. Auf den ersten Blick haben sich hier zwei Außenseiter gefunden, die sich gegenseitig Stärke und Zuversicht schenken. Doch Abby ist ein Vampir und biologisch ebenso wie geistig auf eine gewisse Weise für immer im Körper eines Kindes gefangen ist. Viel mehr sollte auch nicht über den Inhalt verraten werden, aber der Film ist eine spannende und gekonnte Mischung aus Horrorfilm und Coming of Age-Drama mit äußerst talentierten Jungschauspielern.

Attack the Block

In einem Londoner Problembezirk treibt eine Jugendgang ihr Unwesen. Nachdem sie eine junge Lehrerin überfallen und beklaut haben, beobachten sie einen merkwürdigen Krater in ihrer Nachbarschaft. Als daraus ein hässliches Alien auftaucht, tötet der Anführer der Gang es in Notwehr und beginnt damit einen verzweifelten Kampf gegen eine Alien-Invasion. Vordergründig ist Attack the Block ein beeindruckender Low Budget-Film mit Humor und viel Adrenalin. Die eigentlich Leistung des Films ist es aber aus der klischeehaften, unsympathischen Jugendgang am Anfang des Films nach und nach echte, sympathische Personen zu machen, die unfreiwillig zu Helden ihres Blocks werden. Abgesehen von Nick Frost (Shaun of the Dead, Hot Fuzz, Paul) besteht der Cast nur aus unbekannten aber äußerst talentierten Jungschauspielern. Im Laufe der Nacht werden die zuvor überfallene junge Frau, zwei Drogendealer, ein Dauerkiffer, eine Gruppe Mädchen und zwei kleine Möchtegerngangster in den Überlebenskampf gegen die Aliens hineingezogen und sorgen für durchgehende Unterhaltung und Spannung.

X-Men: Erste Entscheidung / X-Men: First Class

Nach zwei gut besetzten und adäquat umgesetzten X-Men-Verfilmungen waren Teil 3 der X-Men-Reihe und besonders der erste Wolverine-Film seelenlose Machwerke, die eine gute Story gegen leeren und überfrachteten Bombast austauschten. Da ist es schön, dass für das neue Prequel Matthew Vaughn wieder Regie führte und ein neues Franchise begründete bei dem es wieder mehr um Stories und Personen geht. Durch den Prequel-Charakter des Films kann Vaughn problemlos bekannte und neue Figuren auftauchen lassen ohne Kontinuität der anderen Filme zu zerstören oder Comic-Laien zu verwirren. Dabei geht es hauptsächlich um die komplizierte Beziehung zwischen Charles Xavier und Erik Lehnsherr alias Professor X und Magneto. Gespielt werden die beide mit großartiger Leinwandchemie von James Mcavoy und Michael Fassbender, die zusammen schon mehr Schauspieltalent haben, als die meisten Darsteller in den vier bisherigen X-Men-Filmen. Dazu kommt ein junges Team von, für eine Comic-Verfilmung, überraschend talentierten Schauspielern. Der kalte Krieg bietet dabei einen spannenden Hintergrundkonflikt und auch eine schöne Spiegelung des „Mutantenproblems“.

Fright Night

Es hat mich doch überrascht, wie viel Spaß mir dieser Film bereitet hat. Ich kenne das Original nicht und kann den Film somit nur als selbstständiges Werk, nicht als Remake beurteilen. Charley lebt mit seiner Mutter in einem verschlafenen Vorort bei Las Vegas und hat gerade seine Nerdfreunde zurück gelassen für ein Leben mit seiner ersten Freundin und den „coolen“ Leuten an der High School. Als sein ehemaliger bester Freund Ed ihm vom Verschwinden vieler Klassenkameraden erzählt und behauptet Charleys neuer Nachbar Jerry sei ein Vampir, der mordend durch den Vorort zöge, glaubt Charley das natürlich zuerst nicht. Aber als auch Ed verschwindet, wird er plötzlich in den scheinbar aussichtslosen Kampf mit einem 400 Jahren alten Vampir gezogen.

Der Film hatte den Nachteil nicht nur ein Horror Remake in einer Flut von Remake-Filmen zu sein, sondern auch noch ein scheinbar typischer Teenie Horror Film in einer Flut aus Teenie Horror Filmen. Deshalb ging der Film kommerziell unter. Das ist schade, denn Fright Night ist ein schneller, lustiger und adäquat gruseliger Action Horror Film. Natürlich erfüllt Fright Night dabei jede Menge Klischees, aber doch immer augenzwinkernd ohne zur Selbstparodie zu verkommen. Vieles davon verdankt der Film seinen Schauspielern. Colin Farrell hat offensichtlich sehr viel Spaß als moderner, einschüchternder Macho-Vampir und metzelt sich mit einem breiten Grinsen durch den Film. David Tennant als lächerlicher, aber liebenswerter Möchtegernvampirjäger hat auch Spaß und sorgt für einige Lacher. Anton Yelchin und Imogen Poots im Mittelpunkt des Films haben auch angenehm viel Tiefe und Schauspieltalent für so eine Art von Film. Yelchin ist nie ganz Nerd, aber auch kein Superheld und Poots darf ihre typischen Girlfriend-Rolle mit überraschender Selbstständigkeit und „Ass-Kicking“ anreichern. Die Story an sich ist natürlich absolut berechenbar, aber der Film zeigt eindrucksvoll, was für einen Unterschied gute Schauspieler und solide Regiearbeit bringen können.

Filme, die es wahrscheinlich noch auf diese Liste geschafft hätten, zu denen ich aber noch nicht gekommen bin: 
Tree of Life, Another Earth, Melancholia, Jane Eyre, The Future.
...Hundert weitere Filme habe ich sicher verpennt oder vergessen... ;)

auch noch gut:

Kill the Boss / Horrible Bosses

Drei Freunde beschließen gegenseitig ihre Chefs umzubringen. Solide Komödie, die durch das enorme Talent der Beteiligten über den Durchschnitt hinauswächst.

Paul

Zwei Nerd-Freunde finden auf einem Road Trip ein Alien auf der Flucht vor der Regierung. Paul ist nicht auf einer Ebene mit Shaun of the Dead oder Hut Fuzz, aber Simon Pegg und Nick Frost alleine machen jeden Film gleich viel lustiger. Und Jason Bateman, Kristen Wiig und Seth Rogen sind natürlich auch nie schlecht.

Crazy, Stupid Love

Extrem ausgelutschtes Rom-Com-Thema wird überraschend ansprechend durch ein gutes, angenehm Nicht-Jugendfreies Drehbuch, einen guten Regisseur und überaus charmante Darsteller mit viel Chemie.

True Grit

Western-Action-Abenteuer-Komödien-Remake von den Coen-Brüdern mit einer eindrucksvollen Jungdarstellerin, die umgeben ist von Hollywoodveteranen: Ein überaus unterhaltsamer Film. 

Überraschungen: 

The Rite / Das Ritual

Ich hatte keinerlei Erwartungen an diese ausgelutschte Story eines skeptischen Jungpriesters, der sich widerwillig von einem skurrilen, alten Priester zum Exorzisten ausbilden lässt. Doch die Stimmung und die Drehorte des Films sind sehr gut gewählt, Anthony Hopkins hat eindeutig viel Spaß in seiner Rolle und es gibt mehr Gänsehautszenen als in den meisten vergleichbaren Filmen, die ich in letzter Zeit gesehen habe. Vielleicht liegt es aber auch daran, dass ich das Konzept von Besessenheit immer noch unheimlich finde...

Scream 4

Überraschung in dem Sinne, dass es bei weitem nicht so schlecht war, wie ich erwartet hätte. Es gibt keinen Horrorfilm und keine Schockeffekte mehr, aber auch keinen reinen, schlechten Abklatsch. Stattdessen eben ein bis zum Gehtnichtmehr selbst- und Genre-referentielles Machwerk in dem die Akteure zwar alle Horrofilm-Regeln und -Klischees kennen, aber trotzdem noch extrem blöd sind. Neve Campbell ist erstaunlich erträglich, die Jungschauspieler größtenteils kompetent und das Ende zumindest für mich relativ überraschend und spaßig. 

Freunde mit gewissen Vorzügen / Friends with Benefits

Extrem ausgelutschtes Rom-Com-Thema wird überraschend ansprechend durch ein gutes, angenehm Nicht-Jugendfreies Drehbuch, einen guten Regisseur und überaus charmante Darsteller mit viel Chemie


Enttäuschungen:

Transformers 3

Enttäuschung natürlich nicht im Sinne von „ich dachte er wird einer der Filme des Jahres“. Aber ich gebe zu, ich mochte den ersten Teil trotz der Schauspieler größtenteils (CGI, Sound + Action), fand den zweiten Teil absolut furchtbar und peinlich und hoffte der dritte würde wieder etwas mehr zu den Stärken der Reihe zurückfinden. Doch auch wenn der Sound immer noch großartig ist, sind die Actionszenen nichts mehr neues und außerdem zu vollgestopft und hektisch. Schauspielerei und Dialoge waren natürlich noch nie die Stärke von Transformers, aber wenn Schleimbeutel Mc Dreamy (Patrick Dempsey) nach den Robotern der beste Schauspieler und komplexeste Charakter ist, hat der Film ein Problem. Diesmal bestehen dazu noch wirklich 70% der Dialoge aus den Namen „Optimus“ und „Sam“ in verschiedenen Lautstärken geschrien.

Sucker Punch

Regisseur Zach Synder ließ es sich im Vorfeld nicht nehmen diesen merkwürigen Filmmix aus Nerd- und Altmänner-Fantasien als feministisches Machwerk zu betiteln. Das hat natürlich niemand erwartet, aber nach den großartigen Trailern hatte ich zumindest ein Effektfeuerwerk erwartet. Die zugegeben beeindruckenden Actionszenen werden leider von der absolut hanebüchenen, sexistischen und pseudo-tiefgründigen „Story“ des Films ertränkt, die wie eine absurde Mischung aus Show Girls und Einer flog übers Kuckucksnest, aber ohne echte oder trashige Qualitäten wirkt.

Unknown Identity

Bei Actionfilm und Liam Neeson kommt sofort der Heidenspaß von Taken in den Sinn. Stattdessen gibt es bei Unknown Identity leider den schon tausendmal da gewesenen Mix aus Gedächtnisverlust und Verschwörungsthriller, sowie die extrem hölzerne Kombination aus January Jones und Diane Kruger. Immerhin dürfen ein paar altgediente deutsche Schauspieler in kleinen Rollen ran. Letztendlich bleibt die Frage, wem Liam Nesson eigentlich seine Seele verkauft hat, dass er einfach jede Rolle nimmt die ihm angeboten wird?

Your Highness

David Gordon Green begann seine Regisseur-Karriere mit interessanten Indie-Dramen (All the Real Girls, Snow Angels) und stieg dann um auf gute Comedy (Pineapple Express, „Eastbound and Down“). Your Highness kommt da wie ein Schock daher. Natürlich erwartet man bei dem Titel und der Beschreibung kein gehobenes Kino. In einer fiktiven Mittelalterwelt muss der nichtsnutzige Prinz Thadeous seinem heldenhaften Bruder Fabious helfen dessen Braut aus den Klauen eines bösen Zauberers zu befreien. Das Problem an dem Film: Es gibt keinen einzigen Lacher. James Franco führt sein gesetztes Ziel in jedem Film Hollywoods aufzutauchen fort und nutzt seinen hohen Sympathie-Bonus immer schneller ab. Natalie Portman (sowie ihr Po-Double) und Zooey Deschanel sind offensichtlich nur wegen dem Gehaltsscheck hier und Danny McBride ist definitv kein Leading Man-Material. Greens nächste Regie-Arbeit „The Sitter“ lässt leider auch wenig Hoffnung zu...

Meine Lieblingsmusik 2011 - Teil VII: Vergessene Schätze

Zum Abschluss dieser umfangreichen aber sicherlich keineswegs vollständigen Liste meiner Lieblingsmusik 2011 noch ein "wenig" Musik, die ich erst viel zu spät für mich entdeckt habe oder aber schlichtweg übersehen/ vergessen bis jetzt...Dazwischen gibt es noch ein paar tolle Videoclips aus diesem Jahr zur Auflockerung: 

Kate Bush – 50 Words for Snow  

(Singer-Songwriter/ Pop/ Alternative) 

Es ist schon komisch; Ich höre Musik von unzähligen Künstlerinnen, die immer wieder passender- oder viel öfter auch unpassenderweise mit Kate Bush verglichen werden. Wirklich gehört habe ich aber trotzdem kaum Musik von ihr selbt, auch wenn ich selbst auch durchaus mal den Kate Bush-Vergleich auspacke, wenn ich jemandem eine Künstlerin empfehlen will. Ich kenne natürlich so einige ihrer Hits, aber 50 Words of Snow ist, dank höchster Lobpreisungen in der gesamten Kritikerwelt, das erste Album von ihr mit dem ich mich ausführlich beschäftigt habe. Nicht nur vom Titel und der Aufmachung her ist es auf den ersten Blick das perfekte Winteralbum. Melancholisch, sehnsüchtig, verbreitet Bushs Stimme und das in allen Songs prominente Klavier immer auch eine wohlige Wärme in dieser kalten und einsamen Winterlandschaft.

Snowflake, der erste Song, zeigt bereits wo die Reise hinführen wird: Eine simple aber berührende, wiederkehrende Klaviermelodie und Kate Bushs variabler Gesang entführen den Hörer in einen Zustand irgendwo zwischen Weihnachtsstimmung und Winterdepression. Alle Lieder auf 50 Words for Snow sind zwischen sieben und vierzehn Minuten lang, erfordern also Geduld, entfalten dafür aber kleine Mikrokosmen, die den Hörer aus dem Alltag reißen und hinein in diese mystischen Geschichten bevölkert von Geistern, einem lebendigen Schneemann, dem Yeti und natürlich jede Menge Schnee.

Der Schneemann etwa taucht in Misty auf und verbringt eine leidenschaftliche Nacht mit der Erzählerin, bevor er am Morgen schmilzt. In anderen Händen wäre ein solches Thema lächerlich und albern, aber hier berührt dieser wunderschöne, dramatische, leidenschaftliche und tief traurige Song so schnell, dass man gerne bereit ist an diese Liebesgeschichte zu glauben. Wild Man ist ähnlich ausufernd, aber klingt viel mehr nach den 80ern und gleichzeitig ungemein jazzig. Kate Bush sympathisiert dazu in ihren lyrics mit einem gejagten und missverstandenen Yeti.

Der überraschendste Song aber ist Snowed in at Wheeler Street, ein Duett mit Elton John. Doch es passt und es wirkt. Und wie es wirkt! In einer gelegentlich zum epischen Rocksong ausufernden Klavierballade spielen John und Bush Liebhaber, die sich über Jahrtausende hinweg an wichtigen Ereignissen in der Geschichte treffen und immer wieder verlieren.

Nach diesem emotionalen Ritt zeigt der Titelsong wieder Bushs exzentrische Seite. Inspiriert von dem Mythos die Eskimos hätten 50 Wörter für Schnee, erfand sie selbst 50 Wörter und engagierte Stephen Fry diese zu rezitieren während sie selbst ihn im Hintergrund im wahrsten Sinne des Wortes anfeuert. Zum Ausgleich und Abschluss kommt dann noch Among Angels, eine wunderschöne Ballade, die gleichzeitig am Herzen zieht und es doch auch wieder wohlig warm einpackt. 50 Words for Snow ist sicher kein Album für alle Stimmungen oder jede Jahreszeit, aber es funktioniert wunderbar in der kalten und besinnlichen Winterzeit, für die es offenbar gemacht wurde und gibt nebenbei den vielen aufstrebenden Songwriterinnen ein neues Fernziel.

Evening Hymns – Dead Deer: Natürlich habe ich mit das schönste Video diesen Jahres in meiner Liste vergessen...(Achtung NSFW).

Jessica Lea Mayfield – Tell Me  

(Folk/ Singer-Songwriter)

Jessica Lea Mayfield ist erst 22 Jahre alt, macht aber schon seit sie 8 Jahre alt ist Musik. Und das merkt man auf Tell Me, ihrem zweiten Soloalbum, deutlich. Es klingt nicht nur reifer und runder als der Vorgänger With Blasphemy so Heartfelt, sondern auch viel weiser und erfahrener als eine 22-Jährige eigentlich klingen sollte. Im Mittelpunkt steht Mayfields so schwer greifbare Stimme. Oft singt sie leicht leiernd und resigniert, fast als ob sie es nicht richtig beherrschen würde, dann aber wieder kraftvoll, klar und schön. Die Musik dazu bewegt sich zwischen Folk, Country, und Rock. Höhepunkte sind der fast fröhliche Ohrwurm Blue Skies Again, der überraschend rockige Opener I'll be the One You want someday und das melancholische Run myself into the Ground, das klingt wie ein trauriger Popsong gespielt von einer Folk-Country-Band. Auch die anderen Songs auf Tell Me sind durchaus hörenswert und bewegen sich dabei zwischen entspannten und nachdenklichen Folk Songs, imemr aber mit einem melanchollischen Touch.

Video: CREEP - Animals (feat. Holly Miranda)

CREEP - Animals (feat. Holly Miranda): Creep zum Zweiten - Sexy & Unheimlich, mit einer ungewöhnlichen Gastsängerinnen-Performance. Großartig!

Black Tusk – Set the Dial 

(Sludge/ Stoner Rock)

Black Tusk kommen aus Savannah in Georgia, einem Ort mit gerade einmal 130.000 Einwohnern, der aber bereits Kylesa, Baroness und Circle takes the Square hervorgebracht hat. Das schafft also auch eine Erwartungshaltung, der die Band auf Set the Dial aber mühelos gerecht wird. Der heftige Sludge der Band ist durchzogen von großartigen, hymnischen und vor allem einprägsamen Passagen ohne Ende. Neben Stoner Rock gibt es auch Black Sabbath-Einflüsse, jede Menge Verbeugungen vor klassichem Metal und ein unwiderstehliches Rock and Roll-Feeling. Und die Riffs, mein Gott, die Riffs! Es ist einfach unmöglich zu dieser Musik nicht wild im Zimmer rum zu springen, das Haar zu schütteln und Luftgitarre zu spielen bis zur totalen Erschöpfung!

Charlotte Gainsbourg - Terrible Angels

Charlotte Gainsbourg – Terrible Angels: Unheimlich, sexy & seltsam, unbedingt bis zum Ende schauen.

Wolfgang Müller – Ahoi 

 (Singer-Songwriter)

Wolfgang Müller macht auf Ahoi wunderbare deutsche Singer-Songwriter-Musik im elementarsten Sinne: Seine melancholische Stimme wird nur von einer verträumten und verspielten Akustik-Gitarre ergänzt. Der wahre Schatz sind aber die Texte, die poetisch, traurig, witzig und vor allem durchdacht sind ohne auch nur einen Funken Gefühl dabei zu verlieren. Neun der hier vertretenen elf Stücke gab es bereits auf den beiden Vorgängeralben zu hören, aber im intimen und zerbrechlichen Kontext der Akustikversionen entfalten diese Perlen eine noch größere Wirkung und sorgen für unaufhörliche Gänsehaut. Definitiv eines der schönsten Alben des Jahres.

 

Mammút - Leggdu Mig I Salt: Tolles, außergewöhnliches Live-Video Nr. 1

Trap Them – Darker Handcraft  

(Hardcore/ Crust)

Meine Fresse! Trap Them sind mit das heftigste, was ich dieses Jahr zu hören bekam. Leider habe ich ihnen erst viel zu spät eine Chance gegeben, als sie auf allen Best of Listen auftauchten und meine Neugier immer größer wurde. Dabei hatte die Band von Anfang so einiges, was sie genau richtig für mich machte. Darker Handcraft ist eine großartige Mischung aus Hardcore und Crust, eingängig, mitreißend und absolut brutal. Und für die Produktion ist mal wieder der allgegenwärtige Kurt Ballou (Converge) zuständig, der einen unheimlich dreckigen und fast schmerzhaft direkten Sound zaubert, perfekt zu Trap Them passend. Das Ergebnis ist ein Album, das dir gleichzeitig die Fresse poliert und zu fast schon zwanghaften Zuckungen führt.

O'Death - Black Dress: Tolles, außergewöhnliches Live-Video Nr. 2

The Rural Alberta Advantage – Departing 

 (Folk/ Singer-Songwriter/ Indie)

Ich habe The Rural Alberta Advantage erst dieses Jahr für mich entdeckt und Departing litt unfair darunter, dass ich seine Vorgänger Hometowns zuerst gehört hatte und sehr mochte. Im direkten Vergleich gab es dort mehr Hits und ich ließ Departing schnell links liegen und gab ihm keine Chance mehr. Erst mit etwas Abstand kann ich gegen Ende des Jahres erkennen, dass es vielleicht sogar das bessere Alben der Beiden ist. Denn wo Hometowns eine auf den zweiten Blick etwas zusammen gewürfelte Mischung aus unterschiedlichen Songs und Stimmungen ist, wirkt Departing einfach runder, geschlossener und deswegen auch dynamischer. Insgesamt ist die Musik natürlich immer noch dieselbe, aber das Album kann viel besser als Ganzes genossen werden. Der Sound ist darüber hinaus insgesamt überraschend rockig und mitreißend, es schwebt oft eine gewisse Wut in den Songs, die zu karthatischem Tanzen und lautem mitsingen einlädt.

Polyana Felbel - India: Tolles, außergewöhnliches Live-Video Nr. 3

Dark Castle - Surrender To All Life Beyond Form  

(Doom Metal/ Sludge)

Zuerst war ich enttäuscht vom zweiten Album von Dark Castle. Ich gab das Hören schnell auf und wagte erst am Jahresende wieder einen zweiten Versuch. Und siehe da, es zündet doch. Noch deutlich seltsamer und auch unzugänglicher als der Vorgänger Spirited Migration braucht Surrender To All Life Beyond Form mehr Geduld. Aber dann gibt es erneut eine extrem fette und dreckige Doom/Sludge-Walze um die Ohren. Es ist schon verblüffend, dass nur zwei Menschen/Instrumente und Stevie Floyds eindrucksvolles Shouting einen so massiven Sound erzeugen können. Nach einer Eingewöhnungsphase hat Surrender To All Life Beyond Form neben dem monströsen Sound auch eine größere Vielfalt und Dynamik als sein Vorgänger zu bieten und macht einfach viel Spaß!

  Austra - Lose It (Paperbag Session): Tolles, außergewöhnliches Live-Video Nr. 4

Harm's Way - Isolation 
(Hardcore)

Harm's Way aus Chicago klingen als ob Napalm Death gemeinsam mit Entombed ein Hardcore-Album aufgenommen hätten. Es ist unglaublich wie viel Energie und Testosteron die Band in ihren Sound packt. Das ganze klingt so tonnenschwer, brutal und dreckig, dass es unmöglich scheint die Faust dazu nicht in den Himmel zu strecken und durchs Zimmer zu springen wie ein Irrer. Solche Musik gibt es einfach viel zu selten: Man fühlt sich, davon angestachelt, für kurze Zeit in der Lage ganze Staaten zu stürzen, 500 Kilo zu stemmen oder zumidnest ein Hotelzimmer kurz und klein zu schlagen...Der Sänger sieht muskelbepackt und von Kopf bis Fuß tätowiert zwar sehr prollig, aber auch angemessen furchteinflößend aus und klingt wirklich wie Barney Greenway auf Steroiden. Er kotzt seine hasserfüllten Lyrics dem Hörer förmlich entgegen, bleibt dabei aber überraschend variabel: Er wechselt immer wieder zwischen angepisst, sehr angepisst und ultra angepisst. Das simple, aber extrem effektive Songwriting, die ultratief gestimmten Gitarren und der fette Sound tun ihr übriges um Isolation zu einem der brutalsten und besten Hardcore-Alben diesen Jahres zu machen.

Und in allerletzter Minute noch reingerutscht:

    

Moritz Krämer – Wir können nix dafür: Leider erst auf dem Fest van Cleef richtig entdeckt als er von Thees Uhlmann als „Deutschlands Joni Mitchell mit Haaren auf der Brust“ angekündigt wurde. Ehrliche, schräge Musik mit tollen deutschen Texten in denen ich mich absolut wiederfinden kann.

WU LYF - Go tell Fire to the Mountain: Trotz oder auch wegen merkwürdigem Image, durchdachtem Konzept und meistens unverständlicher Texte ist dieses Album dynamischer, aufregender Indie Rock, der mich schon beim ersten Hören in Euphorie versetzt hat.

The Civil Wars - Barton Hollow: Zwei schöne Menschen machen wunderschöne Folk Music mit toll harmonierenden Stimmen.

Clickclickdecker - Du Ich Wir Beide Zu Den Fliegenden Bauten: Eine Band, die live viel direkter, bewegender und einfach viel besser sind, bringen ein Live-Album raus - Sehr gut! 

Sigur Rós - Inni: Für alle, die noch keine Chance hatten die überwältigenden Live-Shows der Isländer zu erleben gibt mit der Cd/Dvd-Komination Inni die nächstbeste Entschädigung.

Danny Brown - XXX: Danny Brown hat eine für Rap absolut ungewöhnliche Stimme und sieht so "uncool" aus, dass G-Unit ihn nicht signen wollten. Wem das als Argument nicht reicht, sei gesagt, auf XXX gibt es dazu noch lustige/intelligente/hektische/mitreißende/ansteckende/wirre Raps, sehr gute Beats und herrlich viel Exzentrik...und das alles auch noch für umme! 

Kembe X - Self Rule: Noch mal Hip Hop, noch mal umsonst. Eher konventionell und Old School, klingt der erst 17-jährige Kembe schon wie ein Rap-Veteran mit tollem Flow, einem Talent für Storytelling und einer sehr guten Produktion für ein Self Release. 

Meine Lieblingsmusik 2011 - Teil VI: Enttäuschungen & "Auch noch gut dieses Jahr"

Auch noch gut-sehr gut dieses Jahr:

Birdy – Birdy

(Pop/ Indie)

Birdy (Jasmine van den Bogaerde) gewann im Alter von 12 Jahren den britischen Musikwettbewerb "Open Mic UK" mit einem eigenen Song und wurde danach verständlicherweise sofort von einem großen Label gesignt. Richtig bekannt wurde sie danach durch eine Cover-Version von Bon Ivers Song Skinny Love. Es ist deswegen schwer die Künstlerin von ihrem Hype und ihrem extrem jungen Alter zu trennen. Doch auch ohne die vielen Vorschusslorbeeren, die sie allein durch die Tatsache erhält, dass sie erst 15 Jahre alt ist, bleibt ihr erstes Soloalbum eine eindrucksvolle Sache. Neben 10 Cover-Songs gibt es auch einen eigenen Song, dessen größte Leistung auf den ersten Blick scheint, dass er überhaupt nicht negativ auffällt neben Birdys Interpretationen von mehr oder weniger großen und etablierten Künstlern. Insgesamt zeigt das Album vor allem, dass „schön“ gesungene Cover nicht immer langweilig sein müssen, sondern Songs stattdessen im besten Fall eine veränderte oder auch ganz andere Wirkung geben können, ohne den Ursprungssong zu zerstören. Aus dem bereits erwähnten Skinny Love wird so eine äußerst dramatische, aber auf seine Weise ebenso traurige und berührende Klavierballade. Ebenso wird der erotische Chill-Out-Song Shelter von The xx ein mächtiges, flehendes Liebeslied (auch wenn der Text aus dem Mund einer 15-Jährigen etwas Unbehagen auslöst). Weitere Highlights sind die sanft elektronische Version von The District Sleeps Alone Tonight, die mich ehrlich gesagt mehr berührt als das Original und überraschender weise auch Birdys eigener Song Without a Word, eine Klavierballade im Großformat. Natürlich funktionieren nicht alle Songs so eindrucksvoll. Für ein The National-Cover fehlt Birdy dann doch die nötige Gravitas in der Stimme und so bleibt Terrible Love flach und weitgehend wirkungslos. White Winter Hymnal dagegen wirkt ohne die aufregenden Gesangsharmonien des Originals nicht so spannend. Aber insgesamt hat das Album eine erstaunlich hohe Trefferquote. Wenn man zynisch oder eher realistisch ist, wird klar, dass die junge Dame die zu covernden Songs sicher nicht alle selbst ausgewählt hat. Doch muss man ihr zu gute halten, dass sie alle Songs mit viel Gefühl und Überzeugung singt. Und da ist natürlich noch ihre Stimme, die vollkommen unabhängig vom Alter einfach nur sehr groß ist.
 

Tom Waits – Bad as Me  
(Blues/ Jazz/ "Tom Waits")

Und er hat es immer noch drauf...In seinem ersten Album seit 7 Jahren ist Tom Waits immer noch der alte und bestärkt damit das Image des größtenteils unfehlbaren Meisters, der sich im Gegensatz zu nahezu allen auch nur ansatzweise vergleichbaren Musikern auch nach 40 Jahren im Geschäft noch keinen wirklichen Fehltritt geleistet hat. Auch Bad as Me ist ein gutes Album. Natürlich wird Tom Waits nie plötzlich vollkommen andere Musik machen: Auch hier gibt es schräge Liebesballaden und noch schrägere, schnelle Nummern. Die unverkennbare Stimme klingt wie immer, fast noch etwas entfesselter und befreiter, jetzt wo Waits auch immer mehr so aussieht wie seine Stimme klingt (like it was soaked in a vat of bourbon, left hanging in the smokehouse for a few months, and then taken outside and run over with a car." - Daniel Durchholz). Vielleicht ist es besser nur das ungewöhnliche oder besser gesagt neue in dieser Sammlung an Ungewöhnlichkeiten zu erwähnen. Im flirrend-verträumten Talking at the same time singt Waits in einem hohen Falsetto, dass seine Stimme fast nicht wiedererkennbar macht, dem Song aber eine spannende Note verleiht. Die größte Überraschung ist aber der stampfende Anti-Kriegs-Song Hell broke Luce (ein cleveres Wortspiel: Link). Der Song ist selbst für Tom Waits-Verhältnisse verdammt dreckig, aber vor allem extrem wütend. Vor martialisch klingenden Percussion- und Gitarrenparts keift er aggressiv und zynisch über die schrecklichen Folgen des Irakkrieges. Der Rest von Bad as Me ist auf den ersten Blick nicht so auffällig, aber auf keinen Fall langweilig oder gar überflüssig. Insgesamt scheint der Sound hier etwas eingängiger zu sein, als auf vielen der Vorgängeralben. Das schräge, kratzbürstige wird aber so gut wie immer mit dem auf die absolute Essenz komprimierten Songwriting verschmolzen und schafft so erneut spannende Lieder aus dem seltsamen Kosmos von Tom Waits.

O'Death – Outside 

(Folk/ Country) 

O'Death machen spannende Folk Musik zwischen Alternative Country und Indie Rock. Dabei verbinden die Jungs aus Brooklyn moderne Rock Elemente mit klassischen Instrumenten wie Fiddle und Banjo sowie einer mitreißend-düsteren Grundatmosphäre.

Aufmerksam geworden auf O'Death bin ich durch eine packende und eindringliche Akustik-Version ihres Songs Black Dress. Auf Outside gibt es eine voller instrumentierte Rock-Version zu hören, die fast genauso eindringlich ist. Auch die restlichen Songs bewegen sich auf ähnlichen Pfaden. Opener Bugs ist dabei der ruhigste und ungewöhnlichste Song. Das klingt, als ob Elliott Smith eine Country-Band gegründet hätte. Der Rest des Albums klingt ein wenig wie eine Mischung aus der Musik von Jason Molina und Woven Hand. Das Banjo steht oft im Vordergrund, wird aber perfekt ergänzt von dramatischer, manchmal aggressiver, immer aber mitreißender Rock Musik. Dazu nimmt auf dem Titelsong die E-Gitarre eine prominente Rolle ein, während bei Howling through gut integrierte, orientalische Elemente dem Song eine mysteriöse Aura verleihen. So klingen O'Death absolut authentisch und zu keiner Zeit wie eine hippe Band aus Brooklyn, sondern eher wie aus der dreckigsten, kargsten und ärmsten Ecke des amerikanischen Südens vergangener Tage.

Death Grips – Exmilitary  
(Hip Hop)

Exmilitary ist ein lautes und anstrengendes Hip Hop-Album. Hektische Hip Hop- und Dubstep-Beats werden untermalt von Wall of Sound-Noise-Attacken, die an eine tanzbare Version von Dälek erinnern. Da wundert es nicht, dass ein Teil von Death Grips (zumindest bei Live-Auftritten) Zach Hill ist, der hauptberuflich bei Hella und Marnie Stern an den Drums alle schwindelig spielt. Im Mittelpunkt bei Death Grips steht aber MC Ride, der weniger rappt, sondern viel mehr bellt, schreit und mit seiner tiefen Stimme viele andere „harte“ Rapper ziemlich lächerlich aussehen lässt. Die konstanten Noiseattacken und das Geschrei können manchmal zu viel des Guten sein, aber es ist auch erstaunlich was man aus diesem Crossover-Style alles heraus holen kann. Vom ultradüsteren Opener Beware mit seinem perfekt passenden Charles Manson-Sample über die schräge aber mitreißende Hymne Guillotine bis zum tanzbaren Rock-Rap von I want it (I need it). Zusammen mit den wirren Low Budget-Videos und den intensiven Live-Auftritten sind für mich als Hip Hop-Laien Death Grips mit das spannendste, was ich bisher dieses Jahr in diesem Bereich gehört habe.(kostenloser Donwload)

Radiohead – The King of Limbs  
(Indie/ Electronic)

Ich muss gestehen, dass ich die längste Zeit Radiohead weitgehend ignoriert habe, irgendwie auch aus Trotz. Sicher ich kannte Creep und ein paar Lieder von OK Computer, aber erst mit In Rainbows habe ich erkannt, was ich vorher alles verpasst hatte. In Rainbows eignete sich sehr gut als Einstieg, weil die Platte erstens umsonst und zweitens das eingängigste war, was Radiohead bisher gemacht hatten. Von dort aus habe ich mich dann rückwärts durch die Diskographie der Band gearbeitet und liebe mittlerweile fast alles von den Herren. The King of Limbs war zunächst eine Enttäuschung für mich. Es fehlte die Eingängigkeit von In Rainbows aber auf den ersten Blick auch das gewisse Etwas. Erst nach mehrfachen Versuchen schälten sich langsam einige aufregende Momente und schöne Melodien aus dem so unscheinbaren und sperrigen Album heraus. Das herzzerreißende Codex, das wie das noch traurigere Kind von Pyramid Song und Videotape klingt oder das von zappeliger Percussion in Bewegung gehaltene Little by Little. Dazwischen schleichen sich aber leider auch einige unnötige Sachen, eine Tatsache die besonders wegen der sehr kurzen Laufzeit von King of Limbs das Hörvergnügen etwas trübt. Insgesamt ist das Album somit nichts gänzlich neues, außer das es mehr Geduld von seinem Hörer erwartet, als seine Vorgänger. Auch ohne, dass sich Radiohead komplett neu erfinden sind sie zwar immer noch meilenweit von allen Nachahmern entfernt, aber King of Limbs bleibt ihr „schwächstes“ Album seit The Bends.

Clara Luzia – Falling into Place  
(Folk/ Singer-Songwriter)

Clara Luzia hat nicht wirklich eine „klassische“ Singstimme, aber auf jeden Fall eine Spannende. Sie klingt verspielt und quietschig, es bleibt aber trotzdem immer eine angenehme Kratzigkeit und spürbare Weisheit in ihren Texten und ihrer Stimme. Die Songs beginnen dann auch oft als trügerisch lockere Folk Songs mit akustischer Gitarre und Klavier. Meistens kommt dann aber mit einer ganzen Band und Streichern oder sogar elektronischen Elementen noch eine Ebene hinzu, die den Songs mehr Feuer und Drama oder aber eine eingängige Poppigkeit geben und natürlich dem ganzen Album auch eine erfrischende Vielfalt. Die Stimmung insgesamt schwankt immer zwischen augenzwinkerndem Humor und einer abgeklärten Melancholie. Luzias Texte sind dazu persönlich, direkt und werden auf diese ungewöhnliche Weise gesungen, die dafür sorgt, dass viele der Songs sich bereits beim ersten Hören in die Gehörgänge einbrennen.

Kimya Dawson – Thunder Thighs

(Singer-Songwriter/ Indie/ Pop/ Hip Hop)

Kimya Dawson erreichte Kultstatus als Teil von The Moldy Peaches und größere Popularität durch ihre Solosongs auf dem Soundtrack von Juno. Ihr neues Album Thunder Thighs ist eine merkwürdige Mixtur, die teilweise etwas verwirrt, aber doch meistens Spaß macht. Denn auf der einen Seite erzählt Dawson darin von ihrer neuen Rolle als Mutter eines jetzt 5-jährigen Sohnes. Dadurch entstand ein Song wie Mare and the Bear, ein niedliches Kinderlied, das sie gemeinsam mit ihrem Sohn und einem Kinderchor singt. Viele andere Lieder auf Thunder Thighs sind zwar nicht wirklich Kinderlieder, aber doch entspannte und schöne Folk-Songs, die eine Frau zeigen, die in ihrer Rolle als Mutter aufgeht und scheinbar ein Album für die ganze Familie geschrieben hat.

Doch gleichzeitig gibt es auf Thunder Thighs auch wieder sehr direkte, ehrliche Songs über Dawsons turbulente Vergangenheit, ihre Drogensucht und spitzfindige Beobachtungen über ihre Umgebung und die Gesellschaft insgesamt. Passend dazu ist Rapper Aesop Rock auf vielen der Songs zu hören und war offenbar auch intensiv in den Schreib- und Produktionsprozess einbezogen. Die ernste Seite von Thunder Thighs wird dabei am besten vom über 10-minütigen Walk like Thunder repräsentiert. Darin berichtet Dawson von einer eigenen Nahtoderfahrung nach einer Überdosis und von Freunden, die ungerechter weise viel zu früh sterben mussten. Der Song ist todtraurig, sorgt für unaufhörliche Gänsehautschübe und strahlt trotzdem leichte Hoffnung aus, wenn Kimya Dawson über die Kostbarkeit des Lebens philosophiert. Neben dieser Tour de Force wirken andere Songs leicht unscheinbar. Insgesamt ist die Vielseitigkeit des Albums zwar ein Spaßgarant, aber auch manchmal eine Schwäche. Es wirkt stellenweise wie drei oder vier Alben in einem und wild zusammen gewürfelt. Doch wenn man sich damit abgefunden hat, finden sich schon noch einige tolle Songs hier. Zero or Zillion klingt wie ein mehr ausgelassener Aesop Rock Song gerappt von Kimya Dawson, Miami Advice ist ein stampfendes, mitreißendes und verdammt scharfsinniges Lied inklusive Klavier, Background-Chor und eben wieder Aesop überall. Alle anderen Songs bewegen sich zwischen den bereits erwähnten Songstrukturen und Themen, erreichen aber nicht alle diese Klasse oder Eingängigkeit auch wenn die Texte überall sehr spannend und lustig sind.

Hail Mary Mallon – Are you gonna eat that? 
(Hip Hop)

Aesop Rock lässt sich Zeit mit einem Nachfolger für sein letztes Soloalbum None Shall Pass, das bereits 2007 erschien. Stattdessen produzierte er die Beats zu Felt 3, des letzten Kollabo-Albums von Slug (Atmosphere) und Murs, half bei der Band seiner Frau (Dirty Ghosts) aus und war intensiv in das neue Album von Kimya Dawson involviert. Und jetzt also Hail Mary Mallon. Aesops vertrauter Rapstil sorgt hier immerhin für eine schnelle Vertrautheit und auch sonst ist auf Are you gonna eat that? vieles altbekannt. Neben Aesop Rock rappt Rob Sonic, der leider nicht ganz so aufregend ist und dazu manchmal zu ähnlich klingt. Auf den besten Songs aber, etwa dem klassischen Kopfnicker Smock oder der lustigen Wortakrobatik von Grubstake ergänzen sich die beiden wunderbar und werfen sich die Raps gekonnt gegenseitig zu. Die größte Stärke neben dem offensichtlichen Talent der Beteiligten ist der Spaß, den man ihnen zu jeder Zeit anmerkt. Das sind eben keine Möchtegern-Gangster oder Superstars, sondern Vollblutrapper, die lieben, was sie tun. Das Ergebnis ist dann zwar nicht immer so gut und herrlich, verwirrend und seltsam wie die Solosachen von Aesop Rock, aber schlecht ist es natürlich auch auf keinen Fall. Die Musik ist auf jeden Fall eingängig und tanzbarer, dabei oft nicht so spektakulär, aber kurzweilig. Und das ist ja auch mal schön...

St. Vincent – Strange Mercy  

(Indie/ Singer-Songwriter)

Annie Clark von St. Vincent ist extrem hübsch, wirkt äußerst sympathisch und kann dazu noch richtig abrocken. Das war mein erster Eindruck als ich aufgrund unzähliger, überschwänglicher Kritiken für ihr neues Album Strange Mercy bei youtube recherchierte. Ich fand spannende Interviews in denen sie sehr entspannt rüber kam, ein Live-Cover von Big Black, bei dem sie eindrucksvoll ihren inneren Rocker raushängen ließ und natürlich dieses Lächeln und dieses engelsgleiches Gesicht. Davon geblendet, merkte ich erst später, dass Clark ambitionierte, fesselnde Popmusik macht. Ihre Stimme erinnert manchmal ein wenig an Björk und manchmal ein wenig mehr an Natasha Khan, immer aber nach einer fantastischen Sängerin. Sie singt viel über Einsamkeit, auch über Sex, jede Menge Themen, die einen spannenden Kontrast zu ihrer verschnörkelten, öfter trügerisch harmlos klingenden Stimme, bilden. Auch die Musik lebt von Kontrasten. Von himmlischen Streichern, zu kühlen Beats, zu rockigen Gitarrenriffs, zu fröhlichen Popmelodien gibt es alles, meistens im gleichen Song und immer meisterhaft zu mitreißenden Liedern vermengt. Der einzige Makel ist für mich, dass es stellenweise doch etwas zu perfekt und klinisch klingt...

Lento – Icon 
(Sludge/ Post-Metal)

Lento aus Italien sind auf meinem deutschen Lieblingslabel Denovali Records, eine Tatsache, die sie auch ungehört automatisch zu sympathischen Kerlen macht, die gute Musik machen. Denovali wird von Musik- und Vinyl-Liebhabern betrieben, die experimenteller Musik zwischen Drone, Doom Metal und Jazz ein zuhause geben und eine Möglichkeit ihre Musik schön gestaltet und zu äußerst fairen Preisen an die exklusive Fangemeinschaft zu bringen. Geld steht dabei weder für die Labelleute, noch für die Bands im Vordergrund; es geht immer um die Musik. Das gilt auf für Lento. Wie bei vielen ihrer Labelkollegen kann das gesamte Album in Top-Qualität kostenlos heruntergeladen werden. Für Fans und Sammler gibt es daneben aufwendig gestaltete Vinylversionen. Musikalisch sind Lento dabei für Denovali-Verhältnisse noch relativ konservativ, aber natürlich meilenweit vom Mainstream entfernt. Instrumentale, überraschend dynamische und schnelle Doom/Sludge-Hybride wechseln sich ab mit atmosphärischen Zwischenstücken. Das ist zwar nichts wirklich neues, aber durchaus spannend und effektiv dargeboten.

City and Colour – Little Hell  
(Folk/ Singer-Songwriter)

Es war nur eine Frage der Zeit bis aus dem kleinen Nebenprojekt von Dallas Green eine überaus erfolgreichere Solosache wurde, die ihm auch noch mehr Spaß macht als seine Hauptband. Nicht lange nachdem Little Hell erschien, lösten sich Alexisonfire auf. Was also als kleines Geschenk für Alexisonfire-Fans begann, die nicht genug von Greens Singstimme bekommen konnten, ist jetzt eine richtige Band – mehr oder weniger. Denn natürlich ist es, auch wenn es auf Little Hell öfter wie eine vollständige Band klingt, immer noch das alleinige Geschöpf von Green. Und mir gefallen dann auch gerade die intimeren Nummern, die fast nur von Dallas Greens engelsgleicher, melancholischer Stimme getragen werden. Als erstes fällt da Hope for Now auf, in dem bis zur zweiten Songhälfte todtraurigem Gesang nur ein zartes Keyboard an die Seite gestellt wird, bevor die Emotionen und damit auch die Musik ausbricht. Passend dazu singt Green über den Kontrast seiner eigenen Hoffnungslosigkeit zu der Hoffnung, die seine Musik anderen Menschen gibt. Die weniger spartanische Instrumentierung raubt anderen Songs leider oft etwas die Tiefe und die Emotionalität. Die Musik wirkt dann zu locker und überschreitet manchmal auch die Grenze von schönem Folk hin zu Country und seichtem Pop. Größte Ausnahme ist da die Vorabsingle Fragile Bird in der sich einer der typisch großen Refrains und Greens typisch große Stimme überraschend gut mit einem nervös-rockigen Rest des Songs vermischen. Einige andere Songs werden dagegen trotz oder vielleicht auch manchmal gerade wegen der unnachahmlichen Stimme schnell langweilig. Somit bleibt es zwar ein größtenteils gutes Album, aber ein wenig schade ist es dann doch, dass Alexisonfire dafür ganz vernachlässigt wurde.

Machine Head – Unto the Locust  
(Thrash Metal)

Nach den Nu-Metal-Alben The Burning Red und Supercharger hatten viele Fans Machine Head bereits abgeschrieben. Dann kam das überraschend heftige und vor allem uneingeschränkt gute Comeback-Album Through the Ashes of Empires in dem sich Machine Head auf ihre Stärken besannen ohne musikalisch zu stagnieren. Die noch größere Überraschung war dann aber fast das Nachfolgealbum The Blackening auf dem die Band eine noch nie zuvor da gewesene Spielfreude in einer Reihe von epischen Songs zeigte. Unto the Locust hat nun die undankbare Aufgabe auf diese beiden Großtaten folgen zu müssen. Dabei machen Machine Head eigentlich alles richtig. Die einzige Schwäche auf The Blackening waren die mitunter unnötig langen Songs. Auf Unto the Locust ist alles kompakter und noch abwechslungsreicher auch dank dem Gesangstraining von Robert Flynn. Es ist also ein durch und durch gutes Metalalbum, aber der Überraschungseffekt fehlt leider etwas, genau wie die Euphorie beim hören und letztendlich will der Funke leider nicht so ganz überspringen...

No Made Sense – New Season/ New Blues  
(Progressive Metal/ Sludge)

No Made Sense sind 3 Jungs aus Großbritannien, die progressiven Metal machen, der teilweise an Bands wie Meshuggah oder Mastodon erinnert, aber dabei immer eigenständig und auch direkter als diese Vorbilder ist. In ihrem zweiten (und leider vielleicht auch schon letzten) Album packen No Made Sense fast noch mehr in ihre Songs als auf das Debüt. Der Gesang wechselt im Minutentakt zwischen wütendem Geschrei, hymnehaften Gesang und eindrucksvoller Kopfstimme, während die Musik unverkrampft und größtenteils effektiv alles von Power Metal-Elementen über Sludge bis hin zu elektronischen oder orientalischen Spielereien zusammenwirft. New Season/ New Blues kommt vom Sound und Überraschungseffekt nicht wirklich an den grandiosen Vorgänger heran, ist aber trotzdem wieder ein spannendes Werk.

Slow Club – Paradise
(Indie/ Pop)

Slow Club sind ein junges Duo, die schrecklich ansteckenden Indie-Rock-Pop machen, immer zwischen tanzbaren Indie-Hymnen und zarten Akustik-Balladen. Wie auch schon auf dem Vorgänger wechseln sich größtenteils diese beiden Arten von Songs ab, aber trotzdem hat sich so einiges geändert. Das verspielte, niedliche im Sound ist zwar immer noch da, aber die Songs sind jetzt durchdachter, größer und haben insgesamt mehr Format. Achja und die Hits sind natürlich zahlreicher und noch viel ansteckender. Der erste Song Two Cousins ist auch gleich der Beste, eine simple Melodie, stampfender Rhythmus und absolutes Ohrwurmpotential. Da fällt still sitzen einfach schwer und auch für jemanden, der sonst zu fröhliche Musik nicht oft ertragen kann ist das einfach unwiderstehlich. Es gibt noch einige ähnlich mitreißende Nummern, der Rest des Albums besteht aus ruhigen, oft akustischen Indie-Songs, die leider nicht ganz so gut sind.

Childish Gambino – Camp 

(Hip Hop)

Ich kann nicht sagen, dass ich enttäuscht bin von Camp. Denn bis vor kurzem kannte ich Donald Glover, wie Childish Gambino im echten Leben heißt nur als Teil der hervorragenden Comedy-Truppe Derrick Comedy und dann als einen der besten Sachen in der momentan wohl besten Comedy-Serie im US-TV Community. Erst durch seine EP aus diesem Jahr wurde ich auch auf Donald Glover den Rapper aufmerksam und war mehr als angenehm überrascht. Glover verband dort das übliche Rapper-Bravado mit mit cleveren, witzigen auch selbstironischen lyrics, einem guten Flow und jeder Menge eingängiger Beats, Melodien und Hooks für die er größtenteils selbst verantwortlich war. Das es im gleichen Jahr noch ein Album geben sollte, erfuhr ich erst als es schon eine Weile erschienen war. Auf den ersten Blick sind alle Elemente wieder da und trotzdem ist Camp lange nicht so gut und stellenweise sogar regelrecht langweilig. Das Problem ist zuerst einmal das Format. Wo die EP eine knackige Angelegenheit ohne Schwächen war, wirkt das Album wie eine durchaus gute bis sehr gute EP gestreckt auf Albumlänge. Die guten Songs und Ideen sind verstreut zwischen so einigem, dass weder hängen bleibt noch Spaß macht. Insgesamt ist der Anteil von Hooks, Gesang und R& B deutlich gestiegen. Das ist einfach zu viel des Guten und man muss die Raps dazwischen teilweise richtig suchen. Bonfire und Backpacker sind die aggressivsten Songs und als gute Kopfnicker auch die Besten. Un das simple, aber bombastische, an Kanye West erinnernde You see Me punktet mit ansteckendem Beat und cleverer Wortakrobatik. Von den scheinbar unzähligen melodischen und gesangslastigen Tracks dazwischen fällt noch das abwechslungsreiche Outside und das nachdenkliche L.E.S. positiv auf. Der Rest klingt zwar sehr catchy aber einfach zu gleichförmig, auch wenn ich hoffe, dass es noch wächst und so lange lieber die EP weiter höre.

 

Enttäuschungen:

Wirklich schlecht (wohlgemerkt spreche ich hier nur von Musik der Bands, die ich wirklich gerne höre. Ansonsten wäre dieser Blogpost wohl endlos lang) fand ich dieses Jahr nur ein Alben. Die restlichen, hier vertretenen Alben haben eher meinen übergroßen Erwartungen und/oder ihren tollen Vorgängeralben nicht Stand halten können und sind im schlimsten Fall einfach durchschnittlich.

dredg – Chuckles & Mr. Squeezy  

(Alternative Rock/ Electro-Pop)

Musikalische Weiterentwicklung und kommerzieller Erfolg Hin oder Her: das neue dredg-Album ist einfach nur peinlich. Ich liebe die ersten drei dredg-Alben fast uneingeschränkt auch wenn sie sehr verschieden sind. Die raue Schönheit von Leitmotif, die progressive Perfektion von El Cielo und die mitreißenden Popsongs von Catch without Arms. Dann kam The Pariah, the Parrot, the Delusion, das leider ein wenig klang, als ob die Reste der vorherigen Alben mit dem Drang radiofreundlich zu werden vermischt wurden. Die Songs hatten teilweise noch die typischen dredg-Trademarks und natürlich Gavin Hayes' traumhafte Stimme, wurden aber vor allem auch live schnell langweilig und nervig. Für Chuckles & Mr. Squeezy haben dredg nun scheinbar auch das Spielen ihrer Instrumente weitgehend aufgegeben und sich stattdessen den Produzenten Dan the Automator ins Boot geholt. Das Ergebnis klingt wie ein elektronisches Mid-Life-Crisis-Soloalbum von Hayes, dessen Stimme hier auch nichts mehr retten kann und dessen Texte dazu noch teilweise Schlagerniveau nicht überschreiten. Der „beste“ Song ist eine verschandelte Erweiterung von The Ornament einem der schönsten Stücke des Live-Albums Live at the Fillmore. Den Rest des Albums am Stück zu hören, erfordert schon große Selbstbeherrschung. Ich kann nur annehmen, dass das Ziel von dredg war Elektropop mit Stadionrock zu verbinden. Eine Idee, die an sich schon gruselig ist, aber wenn dann noch bei gewollt auf Massentauglichkeit getrimmten Songs überhaupt nichts hängen bleibt, ist was schief gelaufen.

La Dispute – Wildlife  
(Screamo/ Post-Hardcore)

La Dispute erstes Album war eine lyrische Großtat und ein musikalisch von Anfang bis Ende fesselndes Screamo/Post-Hardcore-Album. Das erste Problem, dass ich mit Wildlife habe, stammt dann auch von meinen riesigen Erwartungen, die sich nicht abschalten lassen und von Anfang eine Enttäuschung wahrscheinlich machten. Aber ich habe es wirklich versucht und versuche es immer noch das Album zu mögen, es klappt nur einfach nicht richtig. Immer wieder ertappe ich mich dabei, wie ich abdrifte, das Interesse verliere und aus einem Song plötzlich drei oder vier geworden sind. Textlich sind die Songs noch immer interessant, teilweise sogar sehr gut. Der Fokus wurde dabei von verlorener Liebe auch auf allgemeinere Probleme sowie persönliche und gesellschaftliche Tragödien erweitert, was den Songs zwar manchmal die emotionale Unmittelbarkeit raubt, aber dafür für mehr Abwechslung sorgt. Doch auch wenn bei La Dispute die Texte immer sehr wichtig waren, muss natürlich auch die Musik und der Gesang stimmen und das ist bei Wildlife oft leider nicht der Fall. Beim Opener a Departure wirkt es zum Beispiel so, als ob Musik und Gesang überhaupt nicht zusammen gehören, ein Problem, das später noch häufiger auftritt. Andere Songs klingen wie blutleere Kopien von älteren Songs der Band. Die Musik wirkt oft entspannter, der Gesang dagegen monotoner und emotionsärmer. Natürlich gibt es auch gute Songs auf Wildlife. Edit your Hometown klingt nach fast radiofähigem Punk Rock, ist aber eine interessante Abwechslung. King Park dagegen lebt von gutem Storytelling, einem sich unermesslich steigernden Spannungsbogen und dem größten Gänsehautmoment des Albums. Hier machen La Dispute, was sie am besten können: leicht kitschige, aber mitreißende und effektive emotionale Breitseiten. Dasselbe gilt auch für I see everything, dass mit seiner Geschichte über den Umgang eines Elternpaares mit der Krebserkrankung und dem frühen Todes ihres Kindes, zwischen Verzweiflung, Trauer und Hoffnung hin und her schwankt und das lyrisch ergreifendste Lied auf Wildlife ist. Für jeden Höhepunkt stehen aber für mich auf der Cd mehrere Lieder, die leider einfach nicht zünden wollen und die Aufmerksamkeit nie wirklich halten können.

Defeater – Empty Days And Sleepless Nights  
(Hardcore)

Defeater machen momentan mit den emotional aufgeladensten und intensivsten Hardcore. Ihr erstes Album Travels erzählte die Geschichte eines jungen Mannes, der versucht einem Leben zu entkommen mit einer drogensüchtigen Mutter, einem trinkenden und prügelnden Vater und einem Bruder, der diesem väterlichen Vorbild nacheifert. Der Protagonist tötet im Streit den Vater und aus versehen später noch den Bruder, bevor er sich am Ende seines ziellosen und vergeblichen Lebens selbst umbringt. Empty Days and sleepless Nights erzählt nun die ebenso düstere und hoffnungslose Geschichte des Bruders, der bei Travels nur als tragische Nebenfigur vorkam. Die Geschichte und die Intensität mit der sie vorgetragen wird, sind immer noch auf altbekanntem Defeater-Niveau, aber die Dichte der Gänsehaut-Momente und sich für immer einprägenden Songmomente ist leider bei weitem nicht so hoch wie auf Travels oder gar auf der meiner Meinung nach noch um einiges besseren EP Lost Grounds, die dazwischen erschien. Das soll nicht heißen, dass Empty Days and Sleepless Nights schwach wäre. Defeater schaffen es immer noch eine Intensität in oft weniger als drei Minuten heraufzubeschwören, die mich noch lange danach aufgewühlt zurücklässt. Absolutes Highlight ist dabei für mich der finale Song White Oak Doors, der die Konfrontation der beiden Brüder auf einem Gleis beschreibt, während ein Zug, simuliert durch den hämmernden Rhythmus des Schlagzeugs, immer näher kommt. Der Song schwankt zwischen Trauer und Wut und steigert sich dabei unmerklich immer weiter bis er und damit auch das Leben des Protagonisten urplötzlich ein Ende findet. Die restlichen Songs können dieses Niveau nicht ganz halten und erfordern meiner Meinung nach noch stärker das lesen der Lyrics um besser zu wirken. Nach dem eigentlichen Ende der Geschichte gibt es noch vier akustische Lieder, die thematisch zwischen die anderen Songs gehören würden, aber einfach besser als separate EP oder gar unter einem anderen Bandnamen gewirkt hätten. So wirken sie einfach etwas fehl am Platz.

Florence and the Machine – Ceremonials  
(Indie/ Pop)

Es scheint das Ziel von Florence Welch gewesen zu sein den Bombast ihres Debüt-Albums auf Ceremonials noch flächendeckender ein zu setzen. Das Ergebnis sind im wahrsten Sinne des Wortes große Pop-Songs in deren Mitte sich Welch von einem epischen Refrain zum nächsten singt. Die Instrumentierung auf Ceremonials ist durchdachter, die Produktion besser, aber leider ist das ständige Bombardement mit maximalem Drama und dem ganzen Orchester irgendwann einfach zu viel des guten. Natürlich ist Ceremonials kein schlechtes Album. Welchs Stimme und ein paar richtig tolle Popsongs wie der Monsterhit Shake it out oder die ungewohnt düstere Powerballade Seven Devils sind mehr als genug das Album deutlich über den Durchschnitt zu heben. Aber die mangelnde Perfektion und Einheitlichkeit war eine der größten Stärken von Lungs und hier wurde das alles oft zu sehr glattgebügelt und im Dauerfeuerwerk des Bombasts ertränkt.

Eddie Vedder – Ukulule Songs  
(Folk)

Eddie Vedders Stimme ist toll und sein Soundtrack zu Into the Wild war wunderschön, aber 16 Balladen, bei denen die Ukulele die Hauptrolle spielt sind einfach zu viel des Guten und auch wenn schöne Nummern dabei sind, gehen sie ein wenig unter in der romantischen Eintönigkeit.

Lou Reed & Metallica – Lulu 

 („Avantgarde Metal“)

Dieses Album ist nicht wirklich eine Enttäuschung, denn wer hätte schon erwartet, dass bei dieser Kollaboration etwas gutes herauskommt. Viel mehr bin ich, wie die meisten anderen Fans der Beteiligten, eher entsetzt und peinlich berührt darüber wie tief diese Musiklegenden gefallen sind. Lou Reed hat durch seine The Velvet Underground-Vergangenheit für immer einen Ehrenplatz im Rockhimmel und hätte besser einfach den Rest seines Lebens danach abseits von der Musikwelt verbracht. Stattdessen entwarf er nach vielen anderen Merkwürdigkeiten jetzt Songs für eine Produktion von Lulu, nach Werken des Expressionisten Frank Wedekind. Was bisher noch ansatzweise interessant klingt, wird schnell absurd wenn Metallica auf der Bildfläche erscheinen. Ich bin früher großer Metallica-Fan gewesen und kann fast jedem Album der Band etwas abgewinnen, aber nach dem größtenteils grauenvollen St. Anger, der dazugehörigen öffentlichen Bandtherapie und zuletzt dem halbherzigen (und total überbewerteten) Fan-Anbiederungsversuch Death Magnetic ist die enorme Credibilty der Metalhelden mittlerweile nur noch ansatzweise vorhanden.

Deswegen schien die Ankündigung eines gemeinsamen Albums, inspiriert von einem deutschen Dramatiker, auch zunächst wie ein elaborierter Internet-Hoax. Doch nach gemeinsamen Lederjackenfotos, Interviews in denen alle Beteiligten vollkommen weltfremd vom größten, dass sie jemals produziert hätten, gefaselt haben und schließlich ersten Hörproben, ließ sich die Wahrheit des Ganzen nicht mehr verdrängen. Es ist klar, dass bei so vielen Plattenmillionären im Raum kein Plattenfirmenmitarbeiter etwas negatives sagen würde, aber gab es wirklich niemanden, der zu irgendeinem Zeitpunkt dachte „Das ist vielleicht nicht wirklich gut?“. Lou Reed klingt meistens, wie ein alter Mann, den man direkt aus dem Bett vors Mikrofon gezerrt hat mit Texten, die er noch nie vorher gelesen hat. Er Sprechsingt meistens taktfrei und gelangweilt, nur ganz selten erinnert er schwach an Johnny Cashs letzten Jahre. Die Wedekind-inspirierten Texte sind pseudo-intellektuell und statt provokant eher kindisch-profan. James Hetfield heult dazu gelegentlich durchaus kompetent unsinnige Textzeilen im Hintergrund („I am the table!“). Die Musik, die das ganze untermalt, ist zwar sofort als Metallica wieder zu erkennen, aber meistens auf simplem, repetitiven Re-load-Überbleibsel-Niveau. Es gibt durchaus interessante Momente, wo die Band aufdreht und Reed kurz aufzuwachen scheint, aber alles wird von den brutalen Songlängen und öden Wiederholungen zunichte gemacht. Insgesamt klingt das Album ein wenig wie das Ende des Garage Inc.-Covers Tuesday's Gone. Im vollkommen humorlosen Kontext eines Konzeptalbums zieht diese schiefe Gröhlmethode aber einfach nicht. Die Kombination aus spaßigen Momenten und die So-schlecht-dass-es-fast-schon-wieder-gut-ist-Qualität unterhalten zwar zuerst ähnlich wie ein spektakulärer Autounfall, aber im Endeffekt ist es eine traurige Angelegenheit, denn es sterben Menschen bzw. Musikerdenkmäler und man sollte sich schämen...